Des femmes emblématiques dans le design ? La question ne devrait pas être délicate mais crispe encore quelques conservateurs. Contrairement au XXe siècle, où le monde de l’architecture confinait à la marge des femmes importantes, presque ignorées par les historiens et les théoriciens, le XXIe siècle se caractérise par la célébration du rôle de la femme. En particulier lorsqu’il s’agit de design.
Des expositions, comme Elles au Centre Pompidou, à Paris, Designing Modern Women 1890 – 1990, au MoMa de New York et W. Women in Italian Design, au Triennale Design Museum, en 2017, ont montré à quel point le regard sur les grandes femmes du design a changé: elles créent, planifient, expérimentent, risquent et défient.
Chez Mobilier Design Occasion nous voulons nous aussi rendre hommage à certaines femmes italiennes, pionnières, établies ou en devenir, qui ont marqué et marquent l’histoire en interprétant le design avec des points de vue et des sensibilités obstinément personnels.
Les pionnères
La designer Eileen Gray, née dans le sud-est de l’Irlande en 1878 dans une famille aristocratique et riche, a été longtemps oubliée après la Seconde Guerre mondiale et redécouverte à la fin des années 1960. Elle a été l’une des premières femmes à être admise à l’école des beaux-arts de Slade, et elle est rapidement entrée en contact avec Gropius, Le Corbusier, Robert Mallet-Stevens et Jean Badovici. Avec Badovici, en particulier, qui devient son amant, elle crée la villa E-1027, en concevant à la fois la structure architecturale et tout son mobilier, en s’inspirant des théories du Bauhaus. Elle a été l’une des premières architectes à utiliser des structures tubulaires en acier, et la plupart de ses œuvres sont toujours produites par ClassiCon et Aram.
L’une des grandes femmes de l’histoire – en tout cas en ce qui concerne le XXe siècle – est Charlotte Perriand. Son nom est généralement associé à ceux de Le Corbusier et Pierre Jeanneret, ils ont créé ensemble des objets du design les plus prestigieux des années 1920.
En réalité, son activité est beaucoup plus complexe et s’étend de la production de meubles et d’objets à l’architecture, en passant par la décoration intérieure et les aménagements. On raconte que Le Corbusier, abordant pour la première fois sa jeune invitée, lui aurait dit de manière sarcastique : « Ici, on ne brode pas de coussins ». Mais l’histoire lui a donné raison, et l’héritage professionnel de Charlotte est la réponse la plus cinglante aux paroles du maître français.
Son talent artistique, caractérisé par un style qui fait résonner tradition et modernité, est pleinement révélé par les œuvres nées de son long séjour en Extrême-Orient dans les années 1940. De nombreuses créations de Perriand sont encore produites dans le cadre de la série Cassina I Maestri Series.
Femme architecte de renommée internationale, devenue une icône historique italienne, Gae Aulenti était planificatrice, conceptrice, urbaniste et scénographe. Elle a laissé une trace indélébile dans de nombreuses villes du monde entier et, en dépit de l’époque particulière et de l’environnement majoritairement masculin dans lesquels elle opérait, elle a réussi à s’imposer comme une figure à part entière. Après avoir obtenu son diplôme à l’École polytechnique de Milan, elle devient, au début des années 1980, directrice artistique de Fontana Arte, une marque pour laquelle elle conçoit des lampes et des meubles intemporels, comme la lampe Giova et la Tavolo con Ruote [table à roulettes]. Son projet le plus célèbre, qui lui a valu une notoriété mondiale, est sans aucun doute la transformation de la gare d’Orsay à Paris en musée d’art moderne, le musée d’Orsay.
Cini Boeri, diplômée en 1951 de l’école polytechnique de Milan, après un stage dans l’atelier de Gio Ponti, entame une longue collaboration avec Marco Zanuso. En 1963, elle entreprend son activité professionnelle en se concentrant sur l’architecture civile et le design industriel. Son travail comprend la conception d’appartements, de bureaux et de magasins, ainsi que l’organisation d’expositions. La multifonctionnalité est sa marque de fabrique, et elle accorde une attention particulière aux besoins de flexibilité et de variabilité de la vie moderne. Ses projets témoignent de son orientation professionnelle, notamment la ligne révolutionnaire Strips, qui lui a valu le prix Compasso d’Oro en 1978 : un canapé-fauteuil-lit qui n’a pas besoin d’être fabriqué, car il se fait tout seul.
La défunte Lella Vignelli, née en 1934, était une architecte et une designer, mais aussi la cofondatrice du cabinet Lella et du Massimo Vignelli Office of Design and Architecture. Après une formation en Italie et aux États-Unis, elle a travaillé pour certaines des plus grandes marques internationales, comme Acerbis International, Knoll, Poltrona Frau et Driade. Elle a conçu des produits, des intérieurs et des montages d’exposition. Le célèbre fauteuil Intervista de Poltrona Frau est l’une de ses créations ; il est entré dans l’imaginaire collectif des Italiens à la fin des années 1980, lorsque le radiodiffuseur public RAI2 a confié à Vignelli la conception du décor de l’émission d’information quotidienne TG2. Il s’est avéré qu’il ne s’agissait pas seulement d’un fauteuil mais d’une nouvelle façon de présenter l’information : le gros plan moyen n’était plus la seule option, et l’accessoire de scène offrait le plus grand confort à l’invité et même une posture qui n’affectait pas le ton de la voix.
Nanda Vigo, née à Milan en 1936, ne s’identifie ni à une architecte, ni à une designer, ni à une artiste, mais préfère la définition de pionnière… et elle est . Située entre Milan et l’Afrique de l’Est, elle peut se targuer de collaborations illustres, comme celles avec Giò Ponti et Lucio Fontana. Le thème central de son art est le conflit/harmonie entre la lumière et l’espace, que l’artiste utilise dans son travail, également en tant qu’architecte ou designer, en expérimentant différents matériaux, comme les miroirs, le plastique, les métaux et les néons. La lampe Golden Gate est l’une de ses œuvres les plus célèbres, un archétype de la période du Pop Art fabriqué par Arredoluce en 1970. Sur une tige métallique de deux mètres de haut brille un arc de néons enfermé dans une structure légère faite du même matériau que la tige. À l’époque, seule la NASA utilisait des LED !
Surnommée la première dame du design danois, Nanna Ditzel est née en 1923 et a étudié au collège des arts et métiers industriels de Copenhague. Elle a épousé son collègue Jørgen Ditzel et a commencé sa carrière très jeune, en concevant des meubles, des bijoux et des tissus. Elle a conçu des meubles pour de petites pièces et a proposé une nouvelle façon de vivre les intérieurs, avec des armoires faites de matériaux naturels et, si possible, sans pieds. Dans les années 1950, elle a contribué à populariser la culture scandinave en Italie en participant aux Triennales de Milan, mais elle s’est distancée du fonctionnalisme – qui produisait des meubles en bois aux lignes droites – et a créé au contraire des formes fluides et douces inspirées de la nature, tout en affichant toujours une rigueur géométrique. Parmi ses créations les plus célèbres figure la Egg Chair, qui est toujours produite en plusieurs versions et avec un énorme succès par Pierantonio Bonacina.
Qu’en est-il des femmes dans le design d’aujourd’hui?
L’une des principales figures du design d’aujourd’hui est Patricia Urquiola, espagnole de naissance et italienne par choix, dont le style inimitable se caractérise par un équilibre entre rigueur et imagination. Diplômée de l’école polytechnique de Milan en 1989, elle entre en contact avec Achille Castiglioni et Vico Magistretti. Elle ouvre son propre studio à Milan en 2001 et fait de la beauté et du confort les fils conducteurs de son travail. Elle crée une série de best-sellers appréciés dans le monde entier et devient une ambassadrice du design, comme le confirment ses nombreux prix. Tout peut l’inspirer, un napperon fait main, les jouets de sa fille, une fleur ou un voyage. Depuis 2015, elle est la directrice artistique de Cassina, un rôle stimulant, étant donné la nature de la marque, dédiée à la production de pièces de design contemporain ainsi qu’à la réédition des œuvres des maîtres.
La directrice artistique de Vitra et Danskina est une Néerlandaise, Hella Jongerius, conceptrice de couleurs et de matériaux. Bien qu’elle soit considérée comme un gourou du design, elle est prête à tout pour ne pas être à la mode, même si elle travaille pour des entreprises prestigieuses et des marques de masse, comme Ikea et Camper. La célèbre créatrice de la firme suisse Vitra a constitué une véritable bibliothèque, qu’elle a présentée au Fuorisalone 2016. Elle n’aurait pas pu choisir une meilleure façon de déclarer ses passions : les contrastes de matériaux (entre surfaces lisses et rugueuses, cuir et tissu) et de couleurs, l’utilisation d’éléments fonctionnels comme décorations et l’artisanat dans une clé contemporaine. La véritable mission de son travail est de trouver l’authenticité, en créant des produits ayant un caractère individuel et en recherchant une nouvelle façon (plus personnelle) de concevoir la production industrielle.
La designer française Constance Guisset, née en 1976, crée des objets. Sa poétique et ses recherches techniques se rejoignent autour de l’idée de mouvement et de légèreté, à partir d’une réflexion sur les illusions et les surprises ludiques. L’objectif de son travail est de capter l’idée de dynamisme au premier coup d’œil, en travaillant avec différents matériaux et formes, qu’elle réussit toujours à animer. A l’heure actuelle son plus grand succès est la création de la suspension Vertigo (photo ci-dessous). Constituée d’une structure plus ou moins ronde, elle se compose d’arceaux en fibre de verre agrémentés de rubans polyuréthane. son design imposant mais aérien, devient l’emblème de la marque Petite Friture.
Inga Sempé est une designer parisienne diplômée en 1993 des Ateliers – ENSCI. Après avoir travaillé avec Marc Newson et Andrée Putman, elle a ouvert son propre studio en 2000, concevant des meubles, des objets et des tissus pour diverses marques internationales. Sa mission est de marier l’esthétique et la fonctionnalité, à partir d’un charmant dessin. Les objets qu’elle crée ne sont pas des pièces de galerie pour quelques élus mais sont conçus pour une production de masse, même si la technologie et l’artisanat sont censés se rejoindre dans leur fabrication industrielle. Ce sont des objets conçus pour durer, grâce à l’utilisation d’un langage contemporain qui ne s’use pas. Ces mots résument l’universalité de son design : « Je ne m’adresse pas à une personnalité, mais à un corps qui va utiliser un objet ».
Beaucoup considèrent une autre designer française, Ionna Vautrin, née en 1979, comme la reine du minimalisme ludique. Après avoir conçu des chaussures pour Camper en Espagne et avoir travaillé dans le studio de George. J. Sowden à Milan et dans l’atelier des frères Bouroullec, elle a ouvert son propre studio en 2011. Ses créations, qui comprennent des compléments de meubles, des luminaires et de petits accessoires, ont une présence douce et généreuse ; ce sont des formes organiques et géométriques caractérisées par un esprit coloré et ludique. Pour décrire son propre travail, Iona fait référence à deux registres : un registre formel et un autre plus joyeux, plus rond et plus maternel. Dans ses collections très précises et incisives, on retrouve toujours une composante émotionnelle, issue de la réinterprétation de signes, d’objets anciens, d’architectures et de paysages, qui recèlent des souvenirs pouvant être librement interprétés.
Giorgia Zanellato, designer d’origine vénitienne, a étudié à l’IUAV de Venise, a obtenu un master à l’ECAL de Lausanne et travaille actuellement à Fabrica, le centre de recherche de Benetton dirigé par Sam Baron. Nombre de ses projets sont dédiés à la ville où elle est née et a grandi, y compris sur le plan professionnel. Une collection de chaises et de tables, La Serenissima, s’inspire des plates-formes de marche utilisées à Venise à marée haute, et elle s’appelle Acqua Alta Collection ; il s’agit d’une série d’articles fabriqués localement qui réinterprète les produits textiles traditionnels locaux, avec l’idée de récupérer le patrimoine culturel et historique de la région. Pour cette femme célèbre, le design doit toujours être utilisé comme un moyen de communication : il doit stimuler le dialogue, susciter la discussion et induire la réflexion.
De Venise, nous nous rendons à Milan pour faire la connaissance d’Elena Salmistraro, designer de produits et artiste travaillant dans la capitale lombarde. Elle crée toutes sortes d’accessoires, elle dessine, peint et travaille avec ses mains ; les relations entre les objets et nous la fascinent. Son langage professionnel, à la fois poétique et fonctionnel, est basé sur la recherche de l’harmonie entre les formes et les couleurs. Les collections d’Elena révèlent l’importance du côté artistique d’un design : les objets doivent délivrer des émotions, tout comme la peinture, la sculpture, la musique et la littérature, qui sont toutes capables de susciter, de communiquer et de transmettre des sentiments aux gens.
Le travail de la designer italienne Cristina Celestino, née en 1980 à Pordenone, est basé sur l’observation et la recherche, ainsi que sur l’exploration des territoires hybrides qui brouillent les frontières entre la mode, l’art et le design. Ce n’est pas un hasard si l’une de ses dernières collaborations a été avec la célèbre marque de mode Fendi, qui a présenté à Design Miami 2016 le projet Happy Room, une collection de mobilier – comprenant des tables en marbre, des chaises en velours et des tables en bois poli et en laiton – conçue pour une chambre VIP itinérante, qui joue avec les éléments iconiques du label, les palettes et les incrustations. Le projet se caractérise par des volumes simples, des formes arrondies et un choix de couleurs manifestement inspirées du design italien des années 50 ; il évoque la féminité, comme tout ce que Cristina conçoit.
Et enfin, last but not least, Alessandra Baldereschi est une designer milanaise qui, après une formation d’artiste, a obtenu en 2000 une maîtrise en design industriel à la Domus Academy. En étudiant au Japon, elle a appris le sens de la poésie et la force de la douceur. En utilisant des formes, des matériaux, des détails ou des textures qui inspirent la familiarité, elle parvient à créer une empathie entre les personnes et les objets. La philosophie du design d’Alessandra transpire également de sa prédilection pour le mélange de différentes époques dans un seul et même objet – en utilisant parfois des formes et des détails appartenant au passé mais réalisés avec les technologies les plus innovantes. La collection Van Gogh pour Fermob, des meubles de table et d’assise inspirés de la classique chaise de taverne en bois et paille qu’elle a rendue contemporaine grâce à l’utilisation d’un polymère souple en matériau recyclé durable, en est un parfait exemple.
