Harry Bertoia, de la sculpture au monde du design

C’était un artiste complet : Harry (Arieto) Bertoia était sculpteur, musicien, graphiste, designer, bijoutier et graveur. Le célèbre designer italien, naturalisé américain, est connu pour la variété de ses créations influencées par l’observation de la nature et de sa terre natale: San Lorenzo di Valvasone Arzene dans la province de Pordenone.

« Les peintures de Bertoia étaient meilleures que ses sculptures. Et ses sculptures étaient meilleures que ses meubles. Et son mobilier était absolument génial. »

Brian Lutz, historien de Knoll

Comme de nombreux Italiens de l’époque, Bertoia, né en 1915 a connu la guerre et l’expérience tout aussi douloureuse de l’émigration. Son père, à la recherche d’un emploi, décide de partir à l’étranger avec sa famille. C’est là que, grâce à une bourse, Bertoia est admis à la Cass Technical High School de Détroit, où il obtient son diplôme en 1936. Après avoir appris les techniques de travail du métal à l’institut technique, grâce à une autre bourse (en 1937), Bertoia arrive, d’abord comme étudiant, puis comme professeur, à la Cranbrook Academy of Art de Bloomfield Hills, Michigan, dirigée par l’architecte Eliel Saarinen.

C’était un véritable centre culturel animé par des personnalités du calibre de Carl Milles, Charles et Ray Eames, Florence Knoll et Eero Saarinen.

Mais 1946 a été déterminant. Avec quelques camarades de classe, il s’installe en Californie pour aider son ami Charles Eames à développer une série de méthodes précises pour plier le contreplaqué et pour étudier en profondeur les nouvelles techniques de soudage. La réalisation d’expériences sur des chaises aura ses fruits et ses premières déceptions. La même année, en effet, les chaises Eames ont été exposées au MoMA de New York. Déçu par cette éviction, Bertoia part. En 1950, il commence à collaborer avec la jeune entreprise de Hans Knoll.

La « malédiction » de la chaise.

En effet, nous pourrions parler de la « malédiction de la chaise » car, le succès planétaire de la Diamond Chair, que Bertoia a créé en 1951-1952 au sein de la future Knoll International, a été tel qu’il a éclipsé pratiquement tout ce que cet artiste frioulan a créé dans différents domaines.

Nous sommes dans les années 50. En Grande-Bretagne et aux États-Unis, le style contemporain se répand. La demande de légèreté, d’élégance, de flexibilité d’utilisation et de résistance a conduit de nombreux designers à abandonner les formes traditionnelles et à se concentrer sur les innovations technologiques. Les structures tubulaires en acier sont progressivement remplacées par des cadres en tiges de fer plus fins et plus légers. Un contreplaqué mince, moulé et renforcé par de nouveaux adhésifs, a remplacé le bois massif dans les sièges et les dossiers. Dans le domaine de l’ameublement, la mousse synthétique remplacera les ressorts en crin ou en métal et les plumes. Grâce aux nouveaux développements rapides de la technologie des polymères, il devient possible de mouler des coques de siège en plastique renforcé de fibres de verre.

La Diamond Chair de Harry Bertoia, est une chaise-sculpture constituée d’une grille métallique incurvée utilisée pour créer une surface enveloppante unique, sans distinction entre l’assise et le dossier. Une « sculpture faite d’air et d’acier« , comme Bertoia lui-même la définit, robuste, légère et maniable.

Une révolution dans le monde du design qui est toujours reconnue dans le monde entier, plus de 60 ans après son introduction, comme l’une des grandes réussites du mobilier design du 20e siècle.

En 2005, Knoll, poursuivant l’héritage de l’innovation, a présenté le Bertoia Asymmetric Lounge, un projet né de l’expérimentation initiale du Maestro qui n’avait jamais été mis en production.

Sculptures sonores

Le succès de la collection de chaises Bertoia n’a pas suffi à convaincre le designer de poursuivre sa conception. Il a quitté Knoll pour la sculpture, comme si les formes du fauteuil Diamond l’avaient encore plus convaincu de sa passion.

Bertoia commence à concevoir un système de sculptures sonores, basé sur le principe de la vibration de bandes de métal de différentes épaisseurs, qui fonctionnent comme de véritables instruments de musique.

Sa première commande de sculpture à grande échelle lui est passée par son ami et ancien partenaire de Cranbrook, Eero Saarinen (1953) : un écran de séparation pour la salle à manger du centre technique de General Motors à Warren, dans le Michigan. En 1954, il réalise un écran pour la Manufacturers Hanover Trust Company à New York et une installation pour l’autel de la chapelle du MIT. En 1955, il crée une cloison pour l’aéroport de Lambert à St. Louis pour l’architecte Minoru Yamasaki. Œuvre après œuvre, projet après projet, Harry Bertoia vit un moment de grand engagement productif qui est également consacré par de nombreuses expositions dans les galeries les plus célèbres de New York et de Chicago et par des expositions temporaires dans les magasins Knoll du monde entier (Buenos Aires, Amsterdam, Zurich, Milan, Rome).

Dans les années 1960, un autre projet voit le jour, qui deviendra presque une obsession : capter les sons émanant de ses sculptures formées de tiges verticales soudées en ligne sur une base plate. Variant la longueur des tiges, la taille, le nombre et le métal utilisé, ils émanaient des sons toujours différents et souvent mystérieux. Parfois, il soudait des cylindres de différents métaux sur le dessus, expérimentant les variations de tonalité qui pouvaient être obtenues. Le résultat ? « La voix du vent », comme il l’appelle. En 1972, il collectionne les symphonies et parvient à enregistrer une série de disques intitulée Sonanbient (en 1971 a été réalisé le film Sonambients : The Sound Sculpture of Harry Bertoia, dans lequel la musique de Bertoia sert de bande sonore).

Exposition à la galerie Harry Bertoia de Pordenone

Trente ans après sa mort, en 2009, la galerie qui porte son nom a consacré une grande exposition « Harry Bertoia. Decisi che una sedia non poteva sufficiente » à son œuvre, qui visait à rendre compte de sa créativité multiforme, à cheval sur les mondes de l’art et du design.

L’exposition, divisée en trois macro-zones, retraçait tout d’abord l’activité de jeunesse dans le domaine du graphisme et de l’orfèvrerie, perfectionnée à la célèbre école Cranbrook de Bloomfield Hills. Elle laissa ensuite une large place à l’extraordinaire collaboration avec la société Knoll et à la création de la célèbre série de chaises en tige d’acier, qui se termine par une sculpture. Pour la première fois en Europe, toutes ses principales expériences ont été réunies : des premières œuvres géométriques des années cinquante aux célèbres sculptures sonores. Un hommage magnifique à la hauteur de l’artiste.